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O cinema poético de Andrei Tarkovsky

O cinema poético de Andrei Tarkovsky

De Sense of Cinema

Tarkovsky é certamente o cineasta russo mais famoso desde Eisenstein. Sua abordagem visionária, bem como o compromisso do cinema como poesia marcaram o cinema de arte moderna. Embora nunca tenha abordado a politica diretamente em seus filmes, as preocupações metafísicas como em Andrei Rublev (1966), O Espelho (1974) e Stalker (1979) provocou a hostilidade das autoridades soviéticas. Como muitos outros artistas na União Soviética, sua carreira foi marcada por lutas constantes com as autoridades para poder expor sua visão. Embora tenha realizado apenas 7 longas, todos são ousados e ambiciosos. Se ele teria se saído melhor na industria cinematográfica capitalista do ocidente fica aberto o debate. Bresson e Dreyer, por exemplo, ambos sofreram frustrações frequentes em suas criações nas investigações formalmente radicais da espiritualidade humana.

Tarkovsky nasceu em 1932 em Zavrzhe no que é hoje é a Bielorússia. Ele era o filho do poeta Arseni Tarkovski e da atriz Maria Ivanovna. Seus pais se divorciaram quando ele ainda era uma criança.Características da poesia de seu pai estão em  O Espelho, Stalker e Nostalgia (1983) e sua mãe aparece no O Espelho .

Tarkovsky estudou árabe no Instituto de Moscou de Línguas Orientais entre 1951 e 1954 e geologia na Sibéria, antes de se matricular na famosa escola de cinema VGIK de Moscou, em 1959. Seu professor foi Mikhail Romm. Enquanto estava lá, ele trabalhou em uma pequena peça para a televisão Hoje não haverá saída livre (1959). Seu projeto de graduação foi o premiado curta O Rolo Compressor e o Violinista (1960).

Seu primeiro longa, A Infância de Ivan (1962), foi uma adaptação de uma história de guerra por Vladimir Bogomolov. No seu centro está um menino de 12 anos de idade, órfão cuja infância perdida é repetidamente invocado em uma série de cenas de sonhos. O resto do filme evita atos heroicos. Embora o estilo de Tarkovsky ainda não está completamente desenvolvido, a sua capacidade para capturar a natureza obscura já é aparente. O peso lírico, mas claustrofóbico de ajuste da floresta do filme é, talvez, o seu elemento mais memorável. Um dos grandes filmes de guerra do cinema, A Infância de Ivan lançou o diretor no Ocidente por ser premiado com o Leão de Ouro em Veneza.

A Infância de Ivan
A Infância de Ivan

Andrei Rublev exibiu um enorme avanço na técnica de Tarkovsky. Embora vagamente baseado na vida do famoso pintor medieval Andrei Rublev, as meditações sobre a sobrevivência da arte e relevância em face das circunstâncias históricas foi interpretado por muitos como uma alegoria para a situação do artista sob o regime soviético.

Todas as características do visual de Tarkovsky estavam determinadas. Como ele explicou em seu livro de teoria do cinema, Esculpir de um Tempo , a capacidade do cinema para capturar o tempo era um de suas característica mais importante. Ele favoreceu tomadas longas, o que permitiu que o tempo que flui através de um indivíduo tenha efeito sobre o público. Seu estilo imagético contemplativo enfatizou a integração dos personagens com o mundo ao seu redor, tanto através do seu posicionamento no quadro quanto através dos lentos movimentos de câmera. Como Antonioni, ele propôs um cinema baseado na observação extasiada do momento presente.

Imagens vividamente texturizadas da natureza abundam no cinema de Tarkovsky, com os quatro elementos – terra, ar (na forma de vento), fogo e água. Animais, especialmente cães, aparecem com frequência e muitas vezes enigmáticos, possivelmente representando outra forma de realização das forças onipresentes do mundo natural. Os edifícios são frequentemente arruinados e decadentes, sempre no ponto de ser recuperado pela natureza. Mesmo as casas rurais como em O Espelho e O Sacrifício (1986) são vulneráveis ​​aos elementos sempre presentes. Esta vulnerabilidade é expressa em imagens como a neve que flutua através do telhado de uma catedral em Andrei Rublev ou chuva que cai dentro da casa da família do herói na conclusão do Solaris (1972).

Apenas três dos seus filmes apresentam um ambiente moderno, urbano. No O Espelho a cidade é mostrado quase que inteiramente pelos interiores de apartamentos, pátios e fábricas. Solaris, Nostalgia e O Sacrifício (durante um sonho) contêm uma breve cena urbana cada um, mas eles são os únicos exemplos da arquitetura da cidade.

Outro ponto importante em Tarkovsky é a do rosto humano. Como Garrel e Pasolini, ele é um dos grandes retratistas do cinema. Sua câmera permanece na rostos de seus atores, impiedosamente sondando a angústia de seus personagens.

Ator favorito de Tarkovsky, Anatoly Solonitsin, que apareceria em todos os subsequentes filmes russos do diretor, interpretando Rublev. O elenco também inclui Nikolai Grinko, outro colaborador regular. Atrás da câmera, Vadim Yusov foi cinegrafista de Tarkovsky até O Espelho .

O lançamento de Andrei Rublev foi adiado até 1971. Entretanto, Tarkovsky trabalhou como ator e roteirista antes de produzir seu próximo filme, uma adaptação de Stanislaw Lem , um romance de ficção científica chamado Solaris em 1972. Muitas vezes comparado ao de 2001: Uma Odisséia no Espaço(1968) de Kubrick. O filme de Tarkovsky é julgado como muito frio e desumano, Solaris conta a história de um cientista (Donatas Banionis) enviado para investigar acontecimentos misteriosos em uma estação espacial orbitando o planeta Solaris. Teorias têm sido propostas que o Solaris é feito de matéria consciente, funcionando como um cérebro gigante. Ao chegar, Banionis descobre que o planeta vem tentando fazer contato com os habitantes da estação, chegando em seu subconsciente e para  criar réplicas vivas de tudo o que encontra trancado lá dentro. No caso Banionis, uma réplica de sua esposa (Natalya Bondarchuk), que cometeu suicídio anos antes, aparece para ele e eles embarcam em uma aventura intensa.

Solaris é o único filme Tarkovsky baseado em torno de uma história de amor. A Infância de Ivan contém um interlúdio romântico, mas os casais em O Espelho , Stalker e O Sacrifício tem relações tensas. O personagem de Bondarchuk em Solaris não é uma mulher real, mas a personificação da memória de Banionis, de um amor perdido. Em Nostalgia , o poeta exilado Oleg Yankovsky é assombrada por memórias de sua esposa esperando por ele na URSS. Embora tenha sido afirmado que o erotismo está ausente nas obras de Tarkovsky, várias de suas cenas de sonho e de memória no Solaris , Espelho e Nostalgia contem imagens carregadas de uma sensualidade memorável. Fora isso, o sexo é principalmente simbólico: a tentação de Andrei Rublev na cerimônia pagã ou em O Sacrifício quando o herói problemático (Erland Josephson) dorme com uma bruxa (Gudrun Gisladottir), a fim de evitar uma catástrofe nuclear.

Solaris lida com a auto-confrontação. Em Solaris, uma comunicação é estabelecida com o planeta e, depois de ter enfrentado seus demônios, o herói atinge um grau de paz consigo mesmo. Stalker é muito mais pessimista, a tentativa de auto-confrontação é evitada. Num futuro próximo, uma estranha e perigosa “zona” de origem indeterminada apareceu na terra, dentro do qual tudo pode acontecer. No seu centro está o “quarto”. Para entrar no “quarto” é concedido um desejo mais profundo do inconsciente. A “zona” porém está fora dos limites para cidadãos comuns, então os guias ilegais conhecidos como “stalkers” ganham a vida orientando os clientes através da “zona” para o “quarto”. Stalker segue um desses “stalkers” através da paisagem estranha, pós-apocalíptico da “zona”. Depois da cansativa busca da alma, nenhum dos três ousar entrar no ”quarto” e o ‘Stalker’ retorna à sua mulher perturbada e a sua filha, nascida aleijado devida à exposição constante de seu pai na “zona”.

Entre Solaris e Stalker Tarkovsky fez O Espelho , um fluxo de consciência autobiográfico, filme poético que mistura cenas de memória de infância com filmagens e cenas contemporâneas que examinam relações do narrador com sua mãe, sua ex-esposa e seu filho. A intensidade onírica das cenas da infância, em particular, é tão hipnótica e visualmente impressionante que cativa qualquer amante do cinema. Se alguma vez um filme encarna o conceito de cinema como uma recriação do processo do pensamento humano, O Espelho é isso. Não só é uma obra-prima de Tarkovsky, mas é um dos pontos altos no desenvolvimento do cinema moderno.

No início de 1980, Tarkovsky deixou a Rússia permanentemente. Os poucos anos restantes de sua vida foram atormentados por uma luta constante com as autoridades soviéticas para permitir que sua família, especialmente seu filho o acompanhassem. Sua carreira cinematográfica começou novamente na Itália, onde ele produziu um documentário televisivo Tempo de Viagem(1983).

Até o momento Tarkovsky começou a trabalhar em seu próximo e último filme, Sacrifício, ele sabia que estava gravemente doente por conta do câncer. De produção sueca, O Sacrifício é uma alegoria de auto-sacrifício em que Erland Josephson dá de tudo para evitar uma catástrofe nuclear. O uso de Josephson e do diretor de fotografia Sven Nykvist indicam a influência de Ingmar Bergman, um dos poucos diretores que Tarkovsky sinceramente admirava.

Tarkovsky morreu em 1986 e está enterrado em Paris. Sua influência é visível na obra de alguns dos principais diretores contemporâneos. Seu amigo Alexander Sokurov (cujo Moscou Elegy [1987] é um belo ensaio sobre Tarkovsky) tem sido muitas vezes percebida como seu “sucessor” e há uma afinidade definida em seu uso da paisagem rural e as suas preocupações espirituais. Mas talvez o trabalho de Béla Tarr, mais notavelmente a sua obra-prima Sátántangó(1997) tenha uma resposta mais interessante ao cinema de Tarkovsky. Na visão niilista do misantropo e ateu Tarr, a promessa de salvação é uma ilusão perigosa, muitas vezes usado como uma arma de poder e frequentemente levando à confusão e violência. Mesmo no seu mais gélido, o universo de Tarkovsky é impregnado com a fé e a ideia de transcendência.

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  1. Ótimo artigo revivi o meu preferido, nunca esqueço do seu filme testamento, Nostalgia e seus indissolúvel laço religioso,, dado o fato de que ele era portador de uma doença incurável

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