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10 Filmes Que Mudaram a Linguagem do Cinema Para Sempre

Uma vez disseram que o cinema não tinha futuro.

O cinema, uma vez considerado uma arte sem futuro, percorreu um longo caminho. A partir dos filmes que descrevem a vida cotidiana para apresentar reflexões sobre a experiência humana ao longo do tempo e do espaço, é uma viagem feita pelos filmes que ultrapassam os limites de seu tempo, ampliando uma atração de carnaval em uma forma de arte que influencia a vidas de milhões de pessoas até hoje.

Alguns desses filmes estão nesta lista. Pode se sugerir muitos mais, mas estes são 10 que foram fundamentais no crescimento da linguagem cinematográfica. Além do seu impacto momentâneo, exploraram as possibilidades do cinema, inspiraram a futura geração de cineastas e criaram a base para os filmes de hoje.


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10. O Nascimento De Uma Nação (DW Griffith, 1915)

Um marco no cinema americano e mundial, “O Nascimento De Uma Nação” é uma conquista técnica monumental e abriu novos caminhos para o cinema, aperfeiçoando técnicas cinematográficas e arriscando a duração em mais de três horas, o filme mais longo até então.

Embora os filmes já estivessem sendo feitos em todo o mundo, jamais se conseguiu a escala e a ambição de “O Nascimento De Uma Nação”; nenhum tinha explorado o poder do cinema até então, e nenhum deles tornou tão evidente que os filmes seriam o futuro do cinema, em um momento em que a maioria dos filmes era de um pouco mais de 20 minutos.


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9. O Encouraçado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925)

Sergei Eisenstein disse uma vez que a montagem era “o nervo do cinema”, o princípio fundamental em que o filme foi construído. As imagens, unidas de certa forma, podem provocar um impacto profundo que atinge instantaneamente a alma, mais imediatamente do que qualquer outra técnica cinematográfica – para Eisenstein, a chave é a montagem.

Nenhum outro cineasta, antes ou depois, provavelmente era tão influente no uso da edição. A forma como as imagens se conectam, a maneira como eles “colidem”, cria um significado muito além do poder das imagens individuais.

“O Encouraçado Potemkin” é a personificação dessas ideias. Possui uma montagem visionária que culmina na sequência de Odessa, uma seqüência tão intrincada e elegante que é uma lição de cinema. “O Encouraçado Potemkin” mostrou as possibilidades do cinema e explorou os limites da edição, preparando o caminho para tudo o que veio depois, e é um relógio obrigatório para qualquer pessoa interessada na evolução do filme.


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8. Um Homem Com Uma Câmera (Dziga Vertov, 1929)

A obra-prima de Vertov é um dos maiores documentários de todos os tempos, “Um Homem Com Uma Câmera” é um filme tão único que, até hoje, é difícil não se maravilhar com seu poder visual. É uma loucura de edição, explorando os limites da capacidade da audiência de perceber imagens e seu significado em sequências, como um fluxo de emoções traduzidas em imagens, da maneira mais pura e autêntica .

Misturando imagens reais com ficcionais, captura a vida de seu tempo como nunca antes e representa um avanço no pensamento cinematográfico nesse sentido, materializando o Cinema-Olho de Vertov da forma mais eficaz até então, uma teoria e uma técnica de cinema que acreditava que a câmera poderia ir além do olho humano, vendo uma verdade inacessível.

Independentemente disso, se isso foi alcançado ou não, “Um Homem Com Uma Câmera” é uma maravilha para assistir: frenético, intenso e impossível de se afastar, é uma das obras de arte mais relevantes na história do cinema.


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7. O Triunfo da Vontade (Leni Riefenstahl, 1935)

Uma representação da reunião do Partido Nazi de 1934 em Nuremberg, “O Triunfo da Vontade” é o antecessor de Olympia e um filme extraordinário em seu próprio mérito. Seu valor histórico é muitas vezes prejudicado pelo fato de que é um pedaço da propaganda nazista. É a manipulação visual no mais alto nível, apoiada por uma extraordinária cinematografia e um senso notável da câmera.

Cheio de poder simbólico, construindo seu impacto em imagens grandiosas, acompanhado de um uso inovador da música, é um trabalho de tal habilidade que se realiza em uma viagem dentro da máquina do Partido Nazista e oferece uma perspectiva inesperada de um dos momentos mais perturbadores da história.

Uma viagem que deve ser vista com uma distância cautelosa, uma vez que, de todas as suas qualidades, “O Triunfo da Vontade” não se afasta do desejo de influenciar o espectador, e o problema essencial é o objetivo dessa manipulação: promover algo vil e antiético. Como com “O Nascimento de uma Nação”, o maior defeito de “O Triunfo da Vontade” reside no seu conteúdo extremamente assustador.

Dito isto, a visão cinematográfica de Leni Riefenstahl é extraordinária, e seu talento como cineasta inegável. “O Triunfo da Vontade” representa uma marca na história do cinema e um alerta sério sobre o poder terrível da imagem para manipular o público. O que nos puxa para uma reflexão sobre como o cinema pode mudar o mundo para melhor – e pior.


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6. Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)

O primeiro e excelente filme de Orson Welles “Cidadão Kane” é o trabalho que se tornou a obra-prima do diretor. É tão inovador que é difícil encontrar um aspecto do filme que não seja um passo em frente na maneira como as histórias foram contadas na tela. A edição, a estrutura narrativa, a forma como a música funciona e até o trailer do filme são obras de visão.

Talvez o projeto em que o gênio de Welles fosse mais evidente, expandisse todo o seu presente como diretor de cinema, e mesmo depois de todo esse tempo, os anos não parecem afetar “Cidadão Kane”, como acontece com outros filmes: ele permanece fresco, sedutor e elegante.

O foco profundo ainda é uma maravilha de se olhar, a cinematografia e a construção dela são uma aula de linguagem cinematográfica, a história continua a ser viciante e o “rosebud” ainda é um mistério a ser resolvido. Considerado frequentemente o melhor filme americano de todos os tempos, perdeu o Oscar – mas ganhou um lugar na história do cinema.


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5. Ladrões de Bicicleta (Vittorio De Sica, 1948)

Um dos filmes essenciais do neo-realismo italiano, e talvez o mais famoso, “Ladrões de Bicicleta” é um exemplo por excelência das idéias por trás do movimento. O neorrealismo italiano nasceu de uma conjunção extraordinária de eventos: a Itália havia emergido da guerra, um país destruído que enfrentava extrema pobreza e, mesmo com os rumores de seu país – ou precisamente porque estavam lá – os cineastas sentiram a necessidade de contar as histórias de pessoas normais enfrentando tais obstáculos.

Juntando esse desejo com as limitações logísticas do tempo, o neorrealismo italiano apresentou seus princípios: filmar em locais reais usando pessoas reais (não-atores) em busca de um realismo maior, de um cinema mais humano. “Ladrões de Bicicleta” é uma ótima prova de conceito dessa ideia.

Utilizou não-atores e locais reais para contar uma história sobre a resiliência da família e sobre o heroísmo do homem comum. Honesto, simples e brilhante, é um trabalho de tal elegancia e inteligência que vê-lo se torna um ato de vínculo com a experiência humana. Ele mostrou as possibilidades de um tipo diferente de cinema, e ainda hoje é um filme perfeitamente, capaz de, como disse De Sica, “descobrir o drama na vida cotidiana”.


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4. O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1957)

Mesmo entre os melhores cineastas, Bergman tem um lugar próprio. Sua filmografia é tão grande e impressionante que é difícil acreditar que um cineasta possa produzir tudo o que Bergman fez, e ao longo dos anos, sua influência tocou cineastas em todos os lugares. É fácil entender o porquê: seu trabalho é um testemunho do poder da narração e da habilidade única do cinema de chegar perto dos nossos medos e desejos mais profundos.

“O Sétimo Selo” é um dos seus maiores, talvez o filme mais influente, e uma inestimável lição no domínio absoluto da narrativa. A cena em que o Cavaleiro joga xadrez com a Morte é uma das mais reconhecidas e memoráveis ​​na história do filme, e dá o tom para uma extraordinária exploração visual sobre o significado da existência e o desejo do homem de encontrá-la.


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3. Acossado (Jean-Luc Godard, 1960)

Ao assistir “Acossado”, só pode se imaginar o que alguém pensaria do filme na época em que estreiou nos cinemas em toda a França. Ao vê-lo hoje, já acostumado com o cinema da Nouvelle Vague, é difícil imaginar o puro impacto de suas idéias. Era o tempo de uma nova geração na França, uma que, ansiosa para quebrar as regras do anterior, entrou em erupção na Cahiers du Cinéma. Mas ninguém personificou o espírito Nouvelle Vague tão bem quanto Jean-Luc Godard.

Com vontade de abandonar toda a narrativa para desconstruir um filme para sua essência mais fundamental, ele já era um verdadeiro inconformista, cujo nome se tornaria sinônimo de cinema. O tiroteio de “Acossado” foi tão caótico e a visão de Godard tão incomum que Jean-Paul Belmondo, ator principal, acreditava que o filme nunca seria divulgado. Ele estava errado e de uma maneira drástica: foi um enorme sucesso e um dos filmes que o tornariam famoso.

De certa forma, incorporou o espírito de Godard: é frenético, poderoso e sem medo de se arriscar – um exemplo brilhante do desejo da Nouvelle Vague de quebrar as regras.

Uma exploração ousada da narrativa não convencional, de dobrar as regras, ansiosa para encontrar uma nova maneira de contar histórias, sentido como um golpe vindo do nada para os diretores na época, deu um sopro de vida puro e intocado para o cinema.


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2. 2001: Uma Odisseia do Espaço (Stanley Kubrick, 1968)

A cena de abertura sozinha já é um ode para o cinema, e afirma a ambição do filme desde o início. Uma viagem às profundezas do espaço e da alma humana, “2001” é uma realização impressionante e mostra Kubrick no topo de sua habilidade, comandando com autoridade um esforço de proporções épicas. É um filme que mostra um vislumbre do futuro, revelando o universo como nunca antes.

Além de sua extraordinária narrativa visual, design incrível, precisão científica e cinematografia deslumbrante, é o olhar do filme no espaço que o distingue de qualquer outra coisa: o sentido infinito, a história da humanidade contada ao longo do tempo e espaço, a partir da descoberta de ferramentas até a capacidade de construir máquinas capazes de viajar para o céu e além – um salto para um novo milênio.

Ele mostrou o potencial da ficção científica como meio para construir mundos inexplorados, para apresentá-lo aos olhos da audiência. E se isso não bastasse, o perigo da inteligência artificial, o homem contra a máquina, contada de um jeito que só Kubrick poderia. Um trabalho de visão extraordinária, “2001: Uma Odisseia do Espaço” é um momento de tirar o fôlego na história do cinema e um olhar inesquecível sobre o futuro do cinema.


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1. Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)

Bergman uma vez disse: “Tarkovsky é para mim o maior, aquele que inventou uma nova linguagem, fiel à natureza do filme, enquanto captura a vida como um reflexo, a vida como um sonho”. Receber tal louvor de Bergman não é fácil, mas ao assistir seus filmes, entende-se a admiração.

Se o cinema pode ser pura poesia, Tarkovsky foi o mais próximo que conseguiu alcançar tal exito. Seus filmes nunca são sobre o que significa uma imagem, mas sobre o que uma imagem pode significar. Aberto à interpretação, ao livre arbítrio, suas imagens criam um trabalho cinematográfico de densidade maravilhosa e uma conexão profunda com a experiência humana.

E entre todas as obras-primas de Tarkovsky, “Stalker” é aquele em que esta harmonia entre poesia e imagem é mais evidente: a história de uma exploração na “zona”, um lugar de mistério no qual se pode encontrar as respostas aos seus desejos, mas onde os personagens encontram as questões nas quais sua existência é construída, iniciando uma mediação sobre si mesmos – e a humanidade. Construído como um sonho, alcançando a própria alma do cinema, revelando todas as suas possibilidades como a verdadeira linguagem de nossos pensamentos, “Stalker” é o cinema na sua forma mais pura.

A lista foi feita pelo TasteofCinema.

Written by Guilherme Antunes

Acadêmico de História e um apaixonado pelas coisas da vida.

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